Combatting Food Waste

When America’s First Lady Michelle Obama and her daughters dined in a popular Rome restaurant in 2009, the staff was shocked when she asked for a doggy bag for the leftovers.  While this is a common practice in the United States, it is still considered a taboo in Italy and much of Europe.  In the U.K., it is more common but it is usually done with a dose of British embarrassment.  In Spain and Italy, people might take bones from their meat to give to their dog, but culturally it just isn’t done.  To be fair, portion sizes in restaurants are smaller and often there aren’t leftovers.

According to a survey by Coldiretti, the Italian farmer’s association, one in four Italians believe the idea of taking home remnants of their dinners is a sign of poverty, bad manners, and even vulgarity.  But times are changing.  First, France passed a law in 2016 that bans supermarkets from throwing away food.  They must either give it to charity, or, if no longer edible for humans, make it available for animal feed, compost, or bioenergy.  There are stiff fines if they do not comply.

Six months later, Italy passed a law that “encourages” restaurants to give people doggy bags, and removes legal hurdles for companies that wish to donate food.  Foods may now be donated after their expiration date, or if they have been mislabeled (but are still safe).  The costs have been eliminated for farmers who want to give food directly to charities, and they will receive tax breaks for their donations.

Unlike the French law with its mandates and fines, the Italian law relies on altruism and incentives.  Will Italy manage a cultural shift in something as important to Italians as food, and will incentives make the industry waste less?  Food waste is now on the international agenda, but it must become culturally unacceptable to waste food and to serve huge portions in restaurants.  Current estimates range from $13 to $16 billion of food waste in Italy annually.  The law provides $11 million to launch a promotional campaign, but only $1.1 million to fund innovation in using food waste.

For starters, a doggy bag is called a “family bag” in Italy to help destigmatize the practice.  And now several high-profile chefs are championing the cause.  Michelin star chef, Matteo Baronetto, from Turin’s historic Del Cambio restaurant, said in an interview that there should be no shame in requesting food for home.  “There’s no scandal, quite the opposite…it’s the client’s choice and it’s his meal since he has paid for it.”   Bruno Barbieri, a MasterChef on Italian television, goes one step further calling it “cool” to ask for a doggy (or family) bag.  “I want to say to my clients, if you ask to take home the food that I have prepared, you are giving me a gift.  It means you liked it but for some reason couldn’t manage to finish it…. For those who cook this request is gratifying, not degrading.”  And in his kitchen, nothing is wasted: “For example, bread left in the basket of clients is used to prepare the lunch for the brigade, the wine of open bottles we use for softening the risotto.  Or we drink it at the end of the food service.”

One of the most vocal advocates on the issue is Massimo Bottura, who was recently named the best chef in the world.  During the Milan Expo in 2015, he opened an experimental soup kitchen with a Catholic charity that used food that had been left over from the exhibition as part of a campaign to raise awareness about food waste.  During the Olympic Games in Rio, he set up an “anti-waste” kitchen and cafeteria to feed people who live in Rio’s slums.

Santa Barbara’s 2017 International Film Festival showed the documentary, “Theater of Life,” which is about the Refettorio Ambrosiano, Bottura’s soup kitchen in Milan where in 2015 he invited 60 of the world’s best chefs to join him to cook for refugees and the homeless of Milan.  As Bottura says, “chefs can no longer cook for just the elite ignoring the ethical issues about feeding the planet.”

 

 

 

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Cosa c’è nel menu per l’Ultima Cena?

Se foste nel braccio della morte, cosa scegliereste per la vostra ultima cena? Aragosta, pizza o linguine all’aglio e olio?  Cosa c`era sul menù dell’Ultima Cena di Cristo?  Secondo gli storici, l’ultima cena si tenne in occasione della Pasqua ebraica e dunque è molto probabile che il menù fosse composto da erbe amare, pane azzimo, e charoset (un dolce di frutta secca).  Il vino – probabilmente rosso – veniva diluito con due parti d’acqua, secondo le usanze dell’epoca.

Ma nell’arte è tutta un’altra faccenda.  I pittori nella storia arricchivano la tavola secondo le usanze del loro tempo e/o seguivano precisi canoni simbolici.  Ecco sette esempi tratti da un articolo di Focus.it.

  1. La prima raffigurazione artistica dell’ultima cena si trova in un mosaico del VI secolo d. C. nella Chiesa di Sant’Apollinare Nuovo a Ravenna.  Oltre al pane, sul tavolo ci sono due grossi pesci.  Non è un caso: nella prima tradizione cristiana il pesce era un simbolo che rappresentava Cristo.
  2. Una delle pietanze più raffigurate nel Medioevo e nel Rinascimento era l’agnello, come si vede in questo dipinto del Maestro del Libro di Casa, anonimo tedesco attivo tra il 1500 e il 1600. L’agnello è simbolo di purezza, ma anche di sacrificio.  La sua presenza preannuncia il destino di Cristo.  Il dipinto è conservato presso la Gemäldegalerie di Berlino e fa parte del cosiddetto Polittico della Passione.
  3. Gli artisti hanno dipinto altri tipi di carne. Duccio di Buoninsegna, un pittore senese della metà del 1200, dipinse ciò che sembra un maialino arrosto all’interno della Pala della Maestà.  Questo cibo era diffuso all’epoca, ma era anche una palese inesattezza storica, dato che Gesù, essendo ebreo, non poteva mangiare carne di maiale.   La Pala della Maestà è conservata nel Museo dell’Opera del Duomo a Siena.
  4. In una serie di affreschi diffusi in Friuli, Trentino, e Veneto ci sono i gamberi di fiume, che erano molto apprezzati da quelle parti a quel tempo. I gamberi avevano vari significati; per esempio, qualcuno riteneva che i gamberi fossero simbolo d’eresia e peccato, per via del loro muoversi “all’indietro” rispetto alla retta via.  Ecco l’affresco, fine del XV secolo, di Antonio Baschenis a Santa Stefano a Carisolo a Trento.
  5. In questa raffigurazione di Domenico Ghirlandaio, dipinta intorno al 1486, le ciliegie furono cosparse sulla tavola, coperta da una tovaglia finemente decorata. Il rosso dei frutti è un esplicito richiamo al sangue versato da Cristo.  Ci sono altri cibi sulla tavola, fra cui pane e formaggio.  Il vino e l’acqua sono contenuti in sottili ampolle.  Da notare la presenza di un gatto, in attesa di chissà` cosa.  Questo dipinto si trova nel convento di San Marco a Firenze, ora diventato museo e dove si possono ammirare opere del Beato Angelico.
  6. Nell’ultima cena di Tintoretto, realizzata tra il 1592 e il 1594 per la Chiesa di San Giorgio Maggiore a Venezia, compare una misteriosa torta decorata, raffigurata all’estremità del tavolo. Per coinvolgere lo spettatore, il pittore decise di ambientare la scena in un luogo che assomiglia molto a una taverna dell’epoca, avvolgendo tutto in uno straordinario gioco di luci e ombre.
  7. Tra i cenacoli, non poteva mancare il capolavoro di Leonardo da Vinci, dipinto tra i 1494 e il 1495 nel refettorio del convento di Santa Maria delle Grazie a Milano. Uno studio recente ha individuato tra le pietanze rappresentate anche un’anguilla condita con spicchi d’arancia (o limone), un piatto molto diffuso nel Rinascimento.

 

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What’s on the menu for The Last Supper?

If you were on death row, what would you choose for your last meal?  Lobster, pizza, linguine all’aglio e olio?  Let’s change to the Last Supper of Christ.  According to historians, the last supper was held on the occasion of Jewish Passover and therefore the menu was most likely composed of bitter herbs, unleavened bread, and charoset (a dessert of dried fruit) while the wine, almost surely red, was diluted with two parts water according to usage at the time.

But in art it’s another matter.  Painters throughout history enriched the table according to customs of their times and followed specific symbolic conventions.  Here are some examples taken from an article in Focus.it:

  1. The first artistic representation, from the 6th century A.C., is a mosaic in the Church of Sant’Apollinare Nuovo in Ravenna.  There isn’t a trace of wine on the table, but besides bread, appear two large fish.  From early Christian tradition, the fish was a symbol of Christ.
  2. One of the dishes often depicted in Medieval and Renaissance times was lamb, as in this painting of the Master of the Book of Home, an anonymous German working between 1500 and 1600. Lamb is a symbol of purity, but also of sacrifice:  its presence foreshadows the destiny of Christ.  The painting is in the Gemäldegalerie of Berlin and is part of the altar panels called Polyptch of the Passion.
  3. Lamb wasn’t the only type of meat painted by artists. Within the altarpiece of the Majesty, Duccio di Buoninsegna, a Siena painter from the mid 1200s, replaces lamb with what appears to be a roasted piglet.  This was a very common food at the time of the painter, but also an obvious historical inaccuracy, given that Jesus, being Jewish, would not have eaten pork.  Today the painting is preserved at the Museum of the Duomo in Siena.
  4. Peeking out in a series of frescoes in Friuli, Trentino, and Veneto are river shrimp, much appreciated in those areas but that convey different meanings. Among the most curious is one that claims that shrimp symbolize heresy and sin because they are moving “backwards.”  Here is the fresco of Antonio Baschenis (end of the 15th century) at Santo Stefano a Carisolo in Trento.
  5. Perhaps more sophisticated than the shrimp are the cherries scattered on the elegant table painted by Domenico Ghirlandaio around 1486.  Here the red of the fruit is an explicit reference to the blood of Christ.  On the table covered by a delicately decorated tablecloth, are other foods, including bread and cheese.  The wine and water are in beautiful amphore.  Note the presence of the cat, waiting for ….?  This painting is in the convent of Saint Mark in Florence, which has become a museum and where there are numerous works of Beato Angelico.
  6. In the Last Supper of Tintoretto, painted between 1592 and 1594 for the Church of San Giorgio Maggiore in Venice, a mysterious decorated cake appears at the end of the table. To engage the viewer, the painter decided to set the scene in a hallway that resembles a tavern of the time, wrapping everything in an extraordinary play of light and shadow.
  7. Among the last suppers, we can’t skip the masterpiece of Leonardo da Vinci, painted between 1494 and 1495 in the refectory of the convent of Santa Maria delle Grazie in Milan. A recent study identified among the dishes an eel seasoned with orange (or lemon) slices, which was widespread in the Renaissance.

 

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Il musicista gastronomico

Avendo l’Opera Santa Barbara che presenta “Il barbiere di Siviglia” nel 150esimo anniversario della morte del compositore, questo è un momento adatto per riflettere sulla vita di Gioacchino Rossini (1792—1868), un compositore popolare di molte opere e anche un conoscitore di cibo e vino.

Nacque a Pesaro in quella regione che oggi è chiamata Le Marche sulla costa adriatica.  Suo padre fu un musicista d’orchestra e sua madre fu un’aspirante cantante.  Durante la sua infanzia, venne spesso lasciato alla cura della nonna materna.  Imparò da lei il piacere per le ricette e ad apprezzare i cibi marchigiani, gusti e sapori che lo seguirono per tutta la vita, soprattutto la passione per i tartufi.

Secondo la leggenda, da bambino, Gioacchino servì da chierichetto per avere la scusa di gustare gli avanzi di vino dopo la messa.  Fu un precoce compositore di opere, e fece il suo debutto all’età di 18 anni con “La cambiale di matrimonio”.  Le sue opere più famose includono non solo “Il barbiere di Siviglia”, ma anche “L’italiana in Algeri”, “La cenerentola”, e “Otello”.

Durante i suoi viaggi in Europa per spettacoli operistici, sviluppò una conoscenza e un apprezzamento per cibi e vini che provenivano dai luoghi più disparati.  Nel 1823 incontrò il famoso chef francese Antonin Carême, che fu responsabile della cucina della nobile famiglia Rothschild.  Rimasero amici per tutta la vita condividendo una comune passione per il cibo.

Fu a Parigi al Cafè Anglais che il famoso Filetto alla Rossini (o Tournedos à la Rossini) nacque.  Rossini aveva l’abitudine di chiedere varianti ai piatti sul menu, per arricchirli secondo i suoi gusti.  A questo particolare pranzo, Rossini chiese allo chef di cambiare la ricetta del filetto, aggiungendo il tartufo.  Lo chef offeso non intendeva esaudire la sua richiesta, al che Rossini rispose, “Alors, tournez le dos” (allora, volto la schiena)!  Un altro aneddoto racconta che il nome nacque a causa del bisogno del maggiordomo di voltare le spalle agli ospiti nella casa del compositore per nascondere il segreto del piatto servito.  La ricetta non è un segreto oggi: Consta in un filetto di manzo rosolato al burro, adagiato su una fetta di pane anche rosolata nel burro, sovrastato da una scaloppa di foie gras e generose fette di tartufo, il tutto accompagnato dalla salsa ottenuta deglassando con Madeira.

Rossini aggiunse i tartufi anche per condire l’insalata: “Prendete dell’olio di Provenza, mostarda inglese, aceto di Francia, un po’ di limone, pepe e sale, e mescolate il tutto; poi aggiungete qualche tartufo tagliato a fette sottili.  I tartufi danno a questo condimento una sorta di aureola, fatta apposta per mandare in estasi un ghiottone”.  Più tardi nella sua vita, Rossini ricordò, “ho pianto tre volte nella mia vita: quando mi fischiarono la prima opera, quando sentii suonare Paganini, e quando mi cadde in acqua, durante una gita in barca, un tacchino farcito ai tartufi”.

All’età di 37 anni, Rossini scrisse la 39esima e ultima opera, “Guillaume Tell”, conosciuta oggi soprattutto per la sua ouverture.  Anche se visse altri 40 anni, si ritirò dalla vita pubblica.  Altri compositori—come Elgar, Rachmaninoff, Sibelius, e Ives—si ritirarono molto prima della loro morte.  Ma non erano così famosi o giovani come Rossini.  Ci sono molte teorie sulla sua breve carriera: forse era stanco, forse era stato devastato dalla morte di sua madre, o aveva avuto dei problemi di salute, ecc.

O forse voleva solo dedicarsi al piacere del cibo: “Non conosco un’occupazione migliore del mangiare, cioè, del mangiare veramente.  L’appetito è per lo stomaco quello che l’amore è per il cuore.  Lo stomaco è il direttore che dirige la grande orchestra delle nostre passioni…mangiare, amare, cantare, e dirigere sono i quattro atti di quell’opera comica che è la vita”.

 

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The Gourmet Musician

As Opera Santa Barbara presents “The Barber of Seville” on the 150th anniversary of the composer’s death, it is a fitting time to reflect on the life of Gioacchino Rossini (1792 – 1868), a popular composer of many operas and also a connoisseur of food and wine.

He was born in Pesaro in the present-day Le Marche region of Italy on the Adriatic coast.  His father was a horn player in an orchestra and his mother an aspiring singer.  During his childhood, he was often left in the care of his maternal grandmother.  He learned from her the pleasure of regional recipes and to appreciate the tastes and flavors of Le Marche —in particular truffles — that would accompany him his entire life.

According to legend, as a child, Gioacchino served as an altar boy with the excuse of tasting any leftover wine after the mass.  He was a precocious composer of operas, and he made his debut at the age of 18 with “The Marriage Contract” (La cambiale di matrimonio).  His best-known operas include not only “The Barber of Seville” (Il barbiere di Siviglia), but also “The Italian Girl in Algiers” (L’italiana in Algeri), “Cinderella” (La Cenerentola), and “Othello” (Otello).

During his travels in Europe for operatic performances, he developed an appreciation for foods and wines from disparate places.  In 1823 he met the famous French chef Antonin Carême, who was in charge of the kitchen of the noble Rothschild family.  They became life-long friends sharing a common passion for food.

It was in Paris at the Cafè Anglais that the famous Filetto alla Rossini (o Tournedos à la Rossini) was born.  Rossini was in the habit of asking for variations to dishes on the menu, to enrich them according to his tastes.  As this particular lunch, Rossini asked the chef to change the recipe of the fillet, adding truffle.  The offended chef did not intend to take his suggestion, to which Rossini replied, “Alors, tournez le dos!” (So, turn your back!)  A different anecdote recounts that the name came about because of the butler’s need to turn his back on guests in the composer’s house to hide the secret of the dish served.  The recipe is not a secret today:  The dish consists of a fillet of beef browned in butter, lying on a slice of bread browned in butter, topped by foie gras and slices of truffle, accompanied by a sauce of deglazed Madeira.

Rossini even added truffles to his salad dressing: “Take oil from Provence, English mustard, French vinegar, a little lemon, pepper, and salt and mix together; then add some truffles cut into thin slices.  The truffles give this condiment a kind of halo, made just to send a glutton to ecstasy.”  Later in life, Rossini recalled “I cried three times in my life:  when they whistled at my first opera, when I heard Paganini play, and when a turkey stuffed with truffles fell into the water during a boat trip.”

At the age of 37, Rossini wrote his 39th and final opera, “William Tell” (Guillaume Tell), known today mostly for its overture.  Even though he lived 40 more years, he withdrew from public life.  Other composers, like Elgar, Rachmaninoff, Sibelius, and Ives, retired long before their deaths.  But none was as famous or as young as Rossini.  There are a lot of theories about his brief career:  maybe he was tired, maybe he was devastated by the death of his mother, maybe there was a shift in politics or his health.

Or maybe he just wanted to dedicate himself to the enjoyment of food: “I know of no more admirable occupation than eating, that is, really eating.  Appetite is for the stomach what love is for the heart.  The stomach is the conductor, who rules the grand orchestra of our passions, and rouses it to action….Eating, loving, singing and digesting are, in truth, the four acts of the comic opera known as life….”

 

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I dipinti di Leonardo: Cosa c’è in un prezzo?

Ci sono circa 20 dipinti di Leonardo da Vinci (1452-1519) che si crede esistano oggi.  Non è possibile saperne il numero esatto perché c’è più o meno un flusso costante di attribuzioni contestate ed attribuzioni recenti dovute al lavoro accademico ed ai progressi tecnologici nello studio delle opere d’arte.  Ci sono anche opere in cui Leonardo potrebbe essere stato aiutato…o no.  Nessuno dei suoi dipinti è firmato.  Il piccolo numero di dipinti sopravvissuti è dovuto in parte alla sperimentazione a volte disastrosa con nuove tecniche, alla sua procrastinazione cronica e, naturalmente, alle opere perdute.

La maggior parte dei dipinti di Leonardo da Vinci si trovano nei principali musei del mondo, tra cui diversi nella Galleria degli Uffizi e diversi al Louvre.  Ce n’è sono uno in visione pubblica nelle Americhe.  Ginevra de’ Benci è un ritratto a tempera e olio su tavola di un’aristocratica fiorentina probabilmente dipinto per commemorare il suo matrimonio.  La National Gallery of Art di Washington, DC, l’acquistò nel 1967 per oltre $5 milioni, un record all’epoca, dal principe del Lichtenstein.

Nel novembre 2017, un altro quadro di da Vinci è arrivato sul mercato.  Salvator Mundi, raffigura Gesù Cristo come salvatore del mondo, è stato venduto all’asta da un proprietario privato per $450 milioni, l’equivalente di circa 381 milioni di euro, l’opera d’arte più costosa di sempre.  Il nuovo proprietario è sconosciuto a questo punto.

Salvator Mundi ha una storia complicata.  Leonardo lo dipinse in Francia per Luigi XII intorno al 1500.  Dopo essere stato creduto perso per moltissimo tempo, è stato ritrovato nei primi anni Duemila e venduto una prima volta per meno di 10.000 dollari nel 2005.  Da lì in poi—una volta restaurato e autenticato—è stato comprato e venduto più volte da collezionisti e commercianti d’arte, per prezzi sempre più alti.  Poi è arrivato da Christie, la casa d’asta, dove il prezzo ha superato di gran lunga Women of Algiers di Picasso, che nel 2015 hanno venduto per $179,4 milioni.

L’enorme cifra è ancora più sorprendente perché ci sono alcuni storici dell’arte che mettono in dubbio l’autenticità e la condizione del dipinto.  Uno specialista di Leonardo ha affermato che “[Leonardo] preferiva il movimento a spirale; è un buon lavoro in studio con un pizzico di Leonardo nella migliore delle ipotesi, ed è molto danneggiato”.  Un altro ha detto che il quadro era stato “aggressivamente ripulito…specialmente sul viso e sui capelli di Cristo”.

Il prezzo è incredibile anche perché questo è un momento in cui il mercato dei vecchi maestri si sta ritirando a causa della preferenza dei collezionisti per l’arte contemporanea.  E il prezzo attesta anche il grado in cui il marketing guida il valore dell’arte.  La campagna di marketing di Christie non ha precedenti.  Ci sono state le visualizzazioni pre-asta del dipinto di 27.000 a Hong Kong, Londra, San Francisco e New York.  Christie ha assunto un’agenzia esterna per pubblicizzare il lavoro, includendo la produzione di un video in cui la presentazione del dipinto è paragonato alla “scoperta di un nuovo pianeta”.  Christie ha dichiarato l’opera “l’ultimo Da Vinci” e ha collocato l’opera d’arte nella categoria ‘opere contemporanee’, forse per cercare di aggirare un esame minuzioso degli esperti dei vecchi maestri.

Ma Salvator Mundi non è “l’ultimo Da Vinci” in mani private.  Ci sono due dipinti chiamati Madonna of the Yarnwinder” –uno è conosciuto come la Madonna di Buccleuch e l’altro come la Madonna di Lansdowne.  Entrambi hanno storie complicate.  Ma se un Yarnwinder venisse all’asta e fosse interamente attribuibile a Leonardo, sarebbe probabilmente la prima vendita di $1 miliardo.

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Leonardo’s Paintings:  What’s in a Price?

There are about 20 paintings by Leonardo da Vinci (1452-1519) believed to exist today.  A precise number is impossible because there is a more or less constant stream of disputed attributions and recent attributions due to scholarship and technological advances in studying artwork. There are also studio works that Leonardo may or may not have had a hand in.  None of his paintings is signed.  The small number of surviving paintings is due in part to da Vinci’s sometimes disastrous experimentation with new techniques, his chronic procrastination, and, of course, lost works.

Most of his paintings are in major museums, including several at the Uffizi Gallery and several at the Louvre.  There is only one on public view in the Americas.  Ginevra de’ Benci is an oil-on-wood portrait of a Florentine aristocrat possibly painted to commemorate her marriage.  It was acquired by the National Gallery of Art in Washington, DC, in 1967, for $5 million—a record at the time—from the princely house of Liechtenstein.

Recently another da Vinci painting came on the market.  Salvator Mundi, which depicts Christ as savior of the world, was sold at auction by a private owner for $450 million, the most expensive work of art sold to date.  The buyer was a Saudi prince.

Salvator Mundi has a complicated history.  Leonardo da Vinci supposedly painted it in France for Louis XII around 1500.  After it was believed lost for centuries, it was found in the early 2000s and sold for first time for $10,000 in 2005. From then on—once restored and authenticated—it was bought and sold by collectors and art dealers for higher and higher prices.  Then it came to the auction house Christie’s where the price far surpassed Picasso’s Women of Algiers, which sold for $179.4 million in 2015.

The enormous sum at auction is even more astounding because there are several highly respected art historians who question the painting’s authenticity and condition.  One Leonardo specialist claimed that “[da Vinci] preferred twisted movement.  It’s a good studio work with a little Leonardo at best, and it’s very damaged.”  Another said that the painting was “aggressively over cleaned…especially in the face and hair of Christ.”

The price is also remarkable at a time when the market for old masters is contracting because of collectors’ preference for contemporary art.   And the price also attests to the degree to which marketing drives the value of art.  Christie’s marketing campaign was unprecedented.   There were pre-auction viewings by 27,000 people in Hong Kong, London, San Francisco, and New York.  Christie’s enlisted an outside agency to advertise the work including the production of a video in which the presentation of the painting is likened to the “discovery of a new planet.”  Christie’s called the work “the last Da Vinci” and placed the artwork in the category of a contemporary sale, perhaps to try to circumvent the scrutiny of old masters’ experts.

But Salvator Mundi is not “the last Da Vinci” in private hands.  There are two paintings called “Madonna of the Yarnwinder”—one is known as the Buccleuch Madonna and the other as the Lansdowne Madonna.  They both have complicated histories.  But if one Yarnwinder came to auction and it was fully attributable to Leonardo, it would probably be the first $1 billion sale.

My friend, Anthony Panzera, an artist and art historian, read the above post and added the following interesting information about the two “Madoonna of the Yarnwinder” paintings:

“The first painting, owned by the Duke of Buccleuch and Queensberry, is housed with his collection in Drumlanrig Castle, Scotland.  The citation reads:

Madonna of the Yarnwinder

Workshop of Leonardo da Vinci

1501-1507 or later

The small panel, 48.3 x 36.9 cm, is extensively retouched and overpainted, with severe cracking, and with the “…pronounced distortions in the faces of the Virgin and the Child argue emphatically against an attribution to Leonardo.”

The second panel is referred to as the New York Madonna of the Yarnwinder; I’m not sure where the tile Lansdowne comes from.  It’s citation reads:

Madonna of the Yarnwinder

 Giacomo Salai

1501 – 1507

50 x 36.4

Salai was one the studio assistants and is a beneficiary in Leonardo’s will.  It is considered a workshop product with the possibility of Leonardo’s hand in the painting of the face.  The infra-red reflectography  “…make it clear that it is not a copy executed at a much later date.”  Meaning that parts of the painting (the landscape in the background including the design) was probably also by the hand of Leonardo.  Two contemporary letters, dated 1501 and 1509,  refer to a small panel of the same subject, but with a small basket of yarns on which the child’s feet (hence the name) is resting.  As neither of the current Yarnwinder paintings show any signs of the basket of yarns it must be assumed that the original painting by Leonardo is lost.

All we have to do now is to find that little painting.”

This information comes from the book:

LEONARDO da VINCI

1452 – 1519

The Complete Paintings and Drawings

by Frank Zollner

Taschen, London

2003

 

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